Nel lavoro di Mimmi Moretti, la fotografia non è mai semplice rappresentazione, ma costruzione di un linguaggio visivo capace di trasformare il reale in forma, ritmo e percezione. Accanto ai progetti dedicati alla città e allo spazio urbano, una parte significativa della sua ricerca si concentra sul corpo umano, e in particolare sulla figura femminile, interpretata attraverso un’estetica essenziale, contemporanea e fortemente riconoscibile.

Nato a Catania nel 1966 e cresciuto a Parigi, Moretti sviluppa fin da giovane un rapporto diretto con la fotografia, anche grazie alla pratica in camera oscura. Dopo un percorso professionale articolato tra editoria, impresa e sperimentazione digitale, torna alla fotografia alla fine degli anni Novanta, abbracciando le nuove tecnologie e sviluppando una ricerca personale che unisce sensibilità umanistica e attenzione tecnica. Dal 2014 espone a livello internazionale, ottenendo numerosi riconoscimenti e partecipando a fiere, mostre e premi tra Europa e Stati Uniti.

All’interno della sua produzione, le immagini dedicate al corpo femminile rappresentano un territorio di indagine autonomo, in cui il soggetto viene progressivamente sottratto alla dimensione narrativa per diventare elemento visivo puro. In queste fotografie, il corpo non è mai descrittivo né esplicitamente identitario, ma si trasforma in superficie, linea, volume.

Il corpo come forma: la serie LEGS

Un esempio emblematico di questa ricerca è la serie LEGS, in cui l’attenzione si concentra su un dettaglio preciso: le gambe avvolte in calze di nylon. Qui il corpo viene frammentato e reinterpretato attraverso un processo di sintesi visiva che richiama tanto la fotografia di moda quanto l’arte concettuale.

Le calze, spesso caratterizzate da colori accesi e saturi, diventano un dispositivo estetico fondamentale: filtrano la luce, definiscono le forme, creano tensioni visive. Il nylon aderente trasforma la pelle in una superficie uniforme e vibrante, mentre le linee del corpo costruiscono composizioni geometriche rigorose. In questo modo, l’immagine oscilla tra figurazione e astrazione, mantenendo un equilibrio sottile tra sensualità e controllo formale.

Nel caso dell’opera LEGS, selezionata tra i finalisti della 44ª edizione di Le Plus Grand Concours Photo du Monde, il colore diventa elemento centrale della composizione. Tonalità intense e decise guidano lo sguardo, definiscono lo spazio e contribuiscono a creare immagini sospese tra realtà e costruzione mentale.

Ciò che emerge è una riflessione sul corpo come elemento visivo autonomo, capace di esistere al di là dell’identità del soggetto. Le figure diventano architetture temporanee, superfici attraversate dalla luce, forme che dialogano con lo spazio dell’immagine.

Fotografia editoriale e ricerca sul corpo femminile

Accanto alla ricerca più astratta e concettuale di LEGS, Mimmi Moretti sviluppa anche una produzione fotografica più apertamente editoriale, in cui il corpo femminile viene esplorato attraverso un linguaggio vicino alla fotografia fashion e contemporanea.

In queste immagini, la figura si inserisce in ambienti reali e quotidiani — interni domestici, spazi luminosi, contesti minimali — diventando parte di una costruzione visiva equilibrata tra spontaneità e controllo formale. La luce naturale gioca un ruolo centrale, modellando il corpo con delicatezza e restituendo una sensazione di intimità sospesa.

Le pose, spesso semplici ma studiate, mantengono un equilibrio tra naturalezza e tensione estetica: il corpo non è mai oggetto passivo, ma presenza consapevole, elemento narrativo che dialoga con lo spazio circostante. Le calze, i tessuti e gli elementi fashion diventano strumenti visivi che amplificano la composizione, introducendo variazioni cromatiche e materiche.

In questo contesto, la fotografia si avvicina al linguaggio editoriale pur mantenendo una forte identità autoriale: ogni immagine conserva una dimensione estetica rigorosa, in cui sensualità, eleganza e ricerca visiva convivono senza mai risultare descrittive o didascaliche.

Una ricerca coerente tra corpo e spazio

Questa indagine sul corpo si inserisce coerentemente nel percorso più ampio di Mimmi Moretti, caratterizzato da una costante tensione tra osservazione del reale e costruzione estetica. Che si tratti di paesaggi urbani o di frammenti del corpo umano, il suo lavoro mantiene sempre una forte coerenza visiva e concettuale, fondata sull’idea che la fotografia possa trasformare il quotidiano in struttura, ritmo e visione.

Sul nostro sito è possibile acquistare le fotografie della serie in formato stampa fine art, oltre a una selezione di opere già pronte, provenienti da esposizioni, ideali per essere inserite direttamente in spazi abitativi o professionali.

Walking Around Tokyo – Visioni Urbane | Fotografia contemporanea di Mimmi Moretti

Walking Around Tokyo – Visioni Urbane è un progetto fotografico di Mimmi Moretti che esplora il paesaggio urbano contemporaneo della capitale giapponese attraverso uno sguardo attento, stratificato e profondamente umano.

Realizzata nel 2018, la serie nasce inizialmente come un esperimento di street photography, sviluppandosi poi in una ricerca più ampia e articolata. L’osservazione diretta della città e dei suoi ritmi trasforma Tokyo in un laboratorio visivo dove architettura, segnaletica, flussi pedonali e presenze umane si combinano in composizioni dinamiche e rigorose. Le immagini si muovono tra street photography, fotografia urbana e ricerca estetica, costruendo una narrazione che va oltre il documento per entrare nella dimensione interpretativa.

All’interno del progetto prendono forma quattro distinti filoni narrativi, autonomi ma profondamente interconnessi: Walking Around Tokyo, Subway, Alone e People. Ognuno rappresenta una diversa modalità di osservazione e restituzione dell’esperienza urbana.

Il nucleo principale, Walking Around Tokyo, raccoglie l’essenza dell’intero lavoro: uno sguardo in movimento che attraversa la città cogliendone le strutture visive, le dinamiche collettive e le tensioni invisibili.

In Subway, Mimmi Moretti si addentra nel cuore pulsante della metropolitana di Tokyo, trasformando ogni vagone in un palcoscenico. Le immagini catturano l’estetica della mobilità urbana: il gioco di riflessi sui finestrini, la precisione geometrica delle linee, la luce fredda che modella i volti dei passeggeri. La serie oscilla tra la densità della folla e l’isolamento introspettivo del singolo, restituendo una dimensione sospesa tra movimento continuo e immobilità emotiva.

Alone nasce dall’osservazione di un paradosso urbano: anche nelle metropoli più dense e popolose è possibile sperimentare momenti di solitudine assoluta. Attese notturne, angoli marginali, pause inattese nel ritmo frenetico della città rivelano scenari quasi irreali, in cui lo spazio sembra dilatarsi e l’essere umano apparire improvvisamente fragile. In queste immagini il tempo sembra rallentare, lasciando emergere una dimensione più intima e silenziosa.

In People, l’attenzione si concentra sulla dimensione umana nella sua forma più diretta. All’interno della folla colorata, varia e multiculturale della metropoli, alcuni individui emergono con forza visiva ed espressiva. Volti, gesti, posture e dettagli diventano elementi narrativi capaci di raccontare identità, stati d’animo e storie personali. Ogni soggetto si distingue per un istante dal flusso continuo, trasformandosi da presenza anonima a protagonista. La serie riflette sulla singolarità dell’individuo all’interno della massa, mettendo in luce come, anche nei contesti più affollati, esista sempre uno spazio per l’unicità e l’espressione personale.

Attraverso questi quattro filoni, Mimmi Moretti indaga la relazione tra individuo e spazio urbano, restituendo una visione della metropoli come sistema complesso, regolato da movimenti ripetitivi e strutture invisibili. La folla, i trasporti pubblici, le luci artificiali e le geometrie architettoniche diventano elementi di un linguaggio visivo coerente, in cui il quotidiano si trasforma in racconto.

La serie affronta temi centrali della società contemporanea: l’alienazione nelle grandi città, la solitudine all’interno della collettività, la comunicazione mediata e la perdita di contatto diretto. In questo contesto, ogni soggetto fotografato mantiene una propria individualità, emergendo per pochi istanti dal flusso continuo della metropoli.

Le immagini costruiscono un immaginario urbano sospeso tra realtà e suggestione, con un’estetica che richiama il cinema contemporaneo e visioni distopiche, evocando atmosfere che dialogano con riferimenti culturali come Blade Runner e la narrativa urbana del Novecento.

Il progetto ha ottenuto importanti riconoscimenti internazionali, tra cui premi ai Chromatic Awards, Fine Art Photography Awards e PX3 Prix de la Photographie Paris, consolidando il lavoro di Mimmi Moretti nel panorama della fotografia contemporanea e della fotografia d’autore. 

Il progetto è stato anche esposto al MIA Photo Fair e al Photo Festival di Milano, e nello spazio fotografico di Città della Pieve. 

Sul nostro sito è possibile acquistare le fotografie della serie in edizione limitata oltre a una selezione di opere già pronte, provenienti da ex esposizioni.

🔹 BIO 

Mimmi Moretti è un fotografo italiano attivo nella fotografia contemporanea e nella ricerca visiva sul paesaggio urbano e umano. Il suo lavoro si concentra sull’osservazione della realtà quotidiana, trasformata attraverso composizione, luce e struttura in immagini dal forte impatto narrativo ed estetico.

Le sue opere esplorano il rapporto tra individuo e ambiente, tra presenza e anonimato, con particolare attenzione ai contesti urbani e alle dinamiche sociali delle grandi città. Ha partecipato a numerosi concorsi internazionali ottenendo riconoscimenti di rilievo, tra cui premi ai Chromatic Awards, Fine Art Photography Awards, PX3 Prix de la Photographie Paris, International Color Awards e ND Awards.

Il suo approccio unisce rigore formale e sensibilità umana, dando vita a progetti fotografici che si collocano tra documentazione e interpretazione artistica.

Bunny Yeager è stata una delle fotografe più influenti dell’era moderna e una figura centrale nella definizione dell’estetica pin-up americana. Ex modella, artista e fotografa, è nota per aver rivoluzionato il modo di rappresentare il corpo femminile, con immagini audaci ma consapevoli, spesso caratterizzate da una forte complicità con le sue modelle.
Il suo lavoro è stato esposto in importanti istituzioni museali, tra cui l’Andy Warhol Museum e il NSU Art Museum, ed è presente nelle collezioni permanenti del Metropolitan Museum of Art di New York.

Bettie Page è stata una delle icone più riconoscibili della cultura pop e della fotografia del Novecento. Considerata la “regina delle pin-up”, ha influenzato moda, estetica e immaginario erotico per generazioni. Il suo stile, la celebre frangetta e la sua presenza scenica hanno reso le sue immagini immortali, mantenendo intatta la loro forza simbolica fino a oggi.

Bettie Page e Bunny Yeager diedero vita a una partnership rivoluzionaria negli anni '50, che cambiò per sempre il mondo della fotografia pin-up. Yeager, portò un approccio fresco e dinamico alla cattura del carattere sicuro e giocoso di Bettie, dando vita ad alcune delle immagini più memorabili dell'epoca. La loro collaborazione diede vita a una serie di fotografie iconiche, tra cui il famoso bikini leopardato e gli scatti a tema giungla, diventati sinonimo dell'immagine di Bettie Page. Lo stile innovativo di Bunny Yeager, unito al fascino naturale di Bettie, creò un mix unico di bellezza, empowerment e maestria, che stabilì un nuovo standard nella fotografia glamour. Il lavoro di Bettie Page e Bunny Yeager non solo rimodellò il genere pin-up, ma lasciò anche un'eredità duratura nella cultura pop. La loro collaborazione continua a ispirare fotografi, modelle e fan, influenzando l'estetica e l'etica della moderna fotografia glamour e rafforzando il fascino intramontabile di Bettie Page.

L'iconica fotografia presente in galleria, "Bettie Page a Key Biscayne, Florida" proviene direttamente dalla casa privata di Bunny Yeager, come documentato dal materiale fotografico descrittivo con buste personali preindirizzate, elemento che ne rafforza in modo significativo l’autenticità e il valore collezionistico.

Mimmi Moretti e “Un’altra Italia”: lo sguardo contemporaneo sul Belpaese

Nel panorama della fotografia contemporanea italiana, Mimmi Moretti si distingue per uno sguardo essenziale, rigoroso e profondamente narrativo. Con la serie Un’altra Italia, l’artista propone una rilettura del Belpaese lontana dall’estetica cartolina, scegliendo invece frammenti urbani, atmosfere sospese e dettagli capaci di raccontare il presente con sensibilità e precisione formale.

Il percorso di Mimmi Moretti

Nato a Catania nel 1966, Mimmi Moretti trascorre l’infanzia a Parigi, città che influenza profondamente la sua formazione culturale e visiva. Successivamente si trasferisce a Roma, dove si appassiona alla fotografia attraverso la pratica della camera oscura, sviluppando una solida base tecnica analogica prima di avvicinarsi, verso la fine degli anni Novanta, alla tecnologia digitale. Nel 2014 espone per la prima volta le sue opere a Milano e a Londra, segnando l’inizio di un percorso espositivo internazionale.

La sua ricerca mette in relazione ritratto e architettura, evolvendo verso una personale interpretazione della street photography, sempre attraversata da un forte interesse per le tematiche sociali e ambientali. Le sue immagini diventano strumenti di osservazione e riflessione sull’epoca contemporanea, con un linguaggio visivo che unisce rigore compositivo, equilibrio formale e profondità narrativa.

Nel corso degli anni, Mimmi Moretti ha ottenuto importanti riconoscimenti internazionali che ne attestano il valore nel panorama fotografico contemporaneo. Tra questi spiccano il Silver Prize al PX3 – Prix de la Photographie Paris, uno dei premi fotografici più autorevoli a livello mondiale, e il TIFA – Tokyo International Photo Awards, riconoscimento di rilievo nel contesto internazionale. Le sue opere sono state inoltre pubblicate su riviste prestigiose come Vogue e Lens Culture, consolidando la sua visibilità nel circuito globale della fotografia d’autore.

Artista accreditato, ha partecipato a mostre personali e collettive in Italia e in Europa, con diverse presenze al MIA Photo Fair, uno degli appuntamenti più importanti dedicati alla fotografia d’arte in Italia.

Nel luglio 2023 ha inaugurato a Città della Pieve la Domi Gallery, spazio dedicato all’arte contemporanea e alla fotografia, confermando il suo impegno attivo non solo come autore ma anche come promotore culturale.

“Un’altra Italia”: oltre la cartolina

La serie Un’altra Italia nasce dal desiderio di raccontare il territorio italiano con uno sguardo nuovo, spostando l’attenzione dai monumenti iconici alla dimensione più intima e silenziosa dei luoghi.

Parcheggi che si affacciano sul mare, prue di barche isolate, scorci veneziani lontani dall’immaginario turistico, architetture che dialogano con l’acqua o con l’orizzonte: ogni fotografia diventa una riflessione sullo spazio, sul tempo e sulla percezione.

Moretti costruisce immagini pulite, spesso minimali, dove il vuoto ha lo stesso peso del pieno. La composizione è calibrata, la luce è protagonista, e il soggetto – apparentemente ordinario – si carica di valore simbolico. È un’Italia che non si impone, ma si lascia scoprire.

Il valore dell’edizione limitata

Le opere della serie Un’altra Italia sono realizzate in edizione limitata a 15 esemplari, accompagnate da Prova d’Artista e NFT. Ogni stampa è prodotta da un laboratorio professionale di qualità museale, garantendo standard elevati e valore nel tempo.

Questa scelta rafforza il carattere collezionistico delle opere, sottolineandone unicità e rilevanza nel mercato della fotografia contemporanea.

Una fotografia essenziale che invita a guardare meglio

Il lavoro di Mimmi Moretti si distingue per rigore formale, equilibrio compositivo e una precisa volontà di sottrazione. L’assenza di retorica non è mancanza, ma scelta consapevole: eliminare l’eccesso per restituire centralità allo spazio, alla luce e alla relazione tra gli elementi dell’immagine.

Moretti non fotografa semplicemente un luogo, ma ne osserva la struttura, le linee, i rapporti tra pieni e vuoti. Ogni scatto nasce da un’attenzione silenziosa verso ciò che normalmente sfugge: un dettaglio architettonico, un orizzonte che si apre, una presenza discreta all’interno del paesaggio urbano.

Nel suo lavoro, l’ordinario non viene trasformato attraverso effetti o artifici, ma attraverso lo sguardo. È la realtà stessa, osservata con consapevolezza, a diventare racconto. Le immagini non si limitano a rappresentare uno spazio: ne suggeriscono il ritmo, l’atmosfera, la possibilità.

Con Un’altra Italia, Moretti propone una riflessione contemporanea sul paesaggio italiano, invitando l’osservatore a rallentare e a riconsiderare ciò che pensava di conoscere. È un invito a guardare meglio, a soffermarsi, a riconoscere nel quotidiano una dimensione inattesa e profonda.

Mauro Molle: icone, identità e memoria visiva

Domi Gallery presenta una selezione di opere di Mauro Molle, artista romano classe 1977, diplomato all’Accademia di Belle Arti di Roma e alla Scuola dell’Arte della Medaglia presso il Poligrafico e Zecca dello Stato.

Attivo dalla fine degli anni ’90, Molle ha esposto in numerose città italiane e internazionali, sviluppando una ricerca coerente e riconoscibile, incentrata sull’interpretazione del mondo contemporaneo attraverso simboli, frammenti e costruzioni visive.

La pittura come rielaborazione dell’immaginario

Nelle opere attualmente disponibili in galleria, emerge con forza uno degli elementi centrali della sua poetica: la rilettura delle icone collettive.

La celebre 500, ad esempio, non è soltanto un soggetto figurativo, ma diventa un dispositivo simbolico. Oggetto iconico del design italiano, memoria generazionale e archetipo popolare, viene rielaborato pittoricamente fino a trasformarsi in segno narrativo.

L’immagine non è mai semplice rappresentazione: è costruzione.
Molle parte dal reale, lo isola, lo ricompone e lo reinserisce in una nuova struttura visiva che ne modifica il significato.

Tra pittura e incisione: il segno come struttura

Accanto ai dipinti, Domi Gallery propone anche alcune acquatinte, tecnica che l’artista approfondisce attraverso la pratica calcografica e la collaborazione con una storica stamperia romana.

Nelle incisioni il linguaggio si fa più essenziale, ma resta centrale il tema della costruzione dell’immagine. Il segno incide, definisce, organizza lo spazio con rigore, mantenendo quella tensione tra figurazione e rielaborazione concettuale che caratterizza l’intero percorso dell’artista.

Un linguaggio per interpretare il presente

La pittura di Mauro Molle nasce dalla volontà di trovare un linguaggio capace di leggere la complessità del presente.
Oggetti, simboli e immagini riconoscibili vengono estratti dal flusso visivo quotidiano e ricontestualizzati sulla tela o sulla lastra.

Il risultato non è una semplice citazione, ma una nuova organizzazione del senso.

Opere disponibili presso Domi Gallery

Attualmente sono disponibili in galleria:

• due dipinti dedicati all’iconografia della 500

• una selezione di acquatinte

Per informazioni su opere, dimensioni e quotazioni è possibile contattare Domi Gallery o visitare la sezione dedicata sul nostro sito.

Leggendo le analisi e le riflessioni delle grandi piattaforme internazionali dedicate al mondo dell’arte — come Artsy — Domi Gallery desidera condividere con voi alcuni temi chiave che emergono con forza e che, secondo gli esperti, influenzeranno profondamente il modo di creare, vendere, collezionare e vivere l’arte nel corso del 2026.

Si tratta di cambiamenti già in atto, che raccontano un sistema dell’arte in evoluzione: più consapevole, più selettivo e sempre più globale.

1. Il Medio Oriente come nuova potenza culturale

Il Medio Oriente è destinato a diventare una delle aree più rilevanti del mercato globale dell’arte. Nel 2026 si concentreranno aperture di nuove istituzioni, festival, biennali e fiere, capaci di attrarre pubblico internazionale e di consolidare la posizione di città come Doha e Abu Dhabi come nuovi centri culturali di primo piano. Anche le principali case d’asta stanno ampliando in modo significativo la loro presenza nella regione.

2. Biennali e artisti “breakout”

Le grandi esposizioni internazionali — in particolare la 61ª Biennale di Venezia, la 25ª Biennale di Sydney e la Whitney Biennial di New York — continueranno a rappresentare occasioni decisive per artisti emergenti o ancora poco conosciuti. Pur non essendo eventi commerciali, le Biennali generano visibilità e credibilità, creando spesso un immediato slancio di mercato. Le scelte curatoriali, sempre più orientate verso temi come intimità, decolonizzazione e sovranità indigena, contribuiscono a ridefinire il panorama artistico contemporaneo.

3. Aste: qualità più che quantità

Nel settore delle aste si assiste a un ritorno deciso alla qualità. Collezionisti e case d’asta privilegiano opere e artisti con una storia solida, una reputazione consolidata e un valore documentato nel tempo. Questo approccio tende a ridurre le dinamiche speculative e a rafforzare la fiducia complessiva nel mercato.

4. Gallerie: ritmo più misurato e strategie collaborative

Dopo anni di forte volatilità, molte gallerie stanno adottando strategie più attente e sostenibili. La crescita non è più indiscriminata, ma basata su collaborazioni, spazi condivisi e su un equilibrio più consapevole tra presenza fisica e digitale. Anche i collezionisti mostrano un atteggiamento più selettivo, orientato a scelte ponderate e a lungo termine.

5. L’impatto dell’intelligenza artificiale

L’intelligenza artificiale è ormai parte integrante del sistema dell’arte. Il dibattito resta aperto sul suo ruolo, sia come strumento creativo sia come supporto alle dinamiche di mercato, ma è evidente che l’uso dell’AI continuerà a crescere. Dalla produzione artistica alla ricerca, dalla catalogazione alla gestione amministrativa, la tecnologia sta ridefinendo molte pratiche del mondo dell’arte.

Magnum Photos Square Print: collezionare uno sguardo

Le Magnum Photos Square Print nascono con un’idea semplice ma potente: rendere accessibile la fotografia d’autore senza rinunciare alla qualità, all’autenticità e al valore culturale delle immagini Magnum.
Si tratta di stampe fotografiche in formato quadrato, selezionate dall’archivio dell’agenzia e proposte in vendite limitate nel tempo, pensate per chi desidera avvicinarsi al collezionismo fotografico o arricchire una raccolta già esistente.

Le Square Print non sono riproduzioni decorative, ma vere opere da collezione, realizzate secondo gli standard Magnum e disponibili solo per un periodo definito.

Il formato quadrato: una scelta precisa

Il formato quadrato non è casuale. Essenziale, equilibrato e contemporaneo, il quadrato invita a un’osservazione più concentrata e intima.
Elimina la gerarchia tradizionale del rettangolo e pone lo spettatore in una posizione di ascolto visivo, dove l’immagine si offre senza direzioni obbligate.

È proprio questa semplicità formale a rendere le Magnum Square Print particolarmente adatte agli spazi domestici e alle collezioni private, senza perdere forza narrativa.

Edizioni limitate nel tempo

Le Square Print vengono prodotte esclusivamente durante la Magnum Photos Square Print Sale.
Una volta conclusa la vendita, le immagini non vengono ristampate nello stesso formato, rendendo ogni edizione legata a un momento preciso e irripetibile. Le stampe sono firmate o timbrate dall’archivio ufficiale Magnum Photos e realizzate su carta fotografica di qualità archivistica.

Questo rende le Square Print un punto di equilibrio ideale tra accessibilità e valore collezionistico.

Le Magnum Photos Square Print in galleria

All’interno di DOMI Gallery, a Città della Pieve, una selezione di Magnum Photos Square Print permette di attraversare epoche, linguaggi e sensibilità diverse, unite da uno stesso sguardo sul mondo.

• W. Eugene Smith – Devil Goggles
  Un’immagine intensa e disturbante, scattata nel 1956 a Pittsburgh, che riflette sulla condizione umana e sull’alienazione del lavoro industriale nel dopoguerra americano.
• Steve McCurry – Monks Training
  Realizzata nel 2004 alla Shaolin Academy in Cina, questa fotografia cattura un momento di allenamento dei monaci Shaolin, sospeso tra disciplina fisica e spiritualità.
• Cornell Capa – Spectators at a Space-Age Air Show
  Uno sguardo rivolto al pubblico più che all’evento, dove l’attesa e l’osservazione diventano il vero soggetto dell’immagine, in perfetto dialogo con la fotografia umanista.
• Elliott Erwitt – Valdes Peninsula, Argentina
  Uno scatto ironico e profondamente simbolico, in cui sacro e consumismo convivono nello stesso paesaggio, raccontando con leggerezza critica il mondo contemporaneo.

Queste opere, pur diverse tra loro, condividono una stessa qualità: non spiegano, ma mostrano. Invitano a fermarsi, osservare e riflettere.

Perché scegliere una Magnum Photos Square Print

Alla Domi Gallery vogliamo dare a tutti i nostri clienti la possibilità di avvicinarsi alla grande fotografia con consapevolezza, scegliendo opere che hanno attraversato la storia e che continuano a dialogare con il presente. Collezionare una Magnum Square Print significa portare con sé non solo un’immagine, ma uno sguardo autentico sul mondo.

Magnum Photos: la fotografia che ha raccontato il mondo

Fondata nel 1947, Magnum Photos è una delle agenzie fotografiche più importanti e influenti della storia:  una vera e propria cooperativa di fotografi nata con l’idea rivoluzionaria di permettere agli autori di mantenere il controllo sulle proprie immagini, sulle storie raccontate e sul modo in cui queste venivano diffuse.

Alla base di Magnum c’è una visione precisa della fotografia: raccontare il mondo con onestà, profondità e responsabilità, mettendo al centro l’essere umano, la società e i grandi cambiamenti del nostro tempo.

Le origini di Magnum Photos

Magnum Photos nasce a Parigi dall’incontro di quattro figure leggendarie della fotografia del Novecento: Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, David “Chim” Seymour e George Rodger.
Proprio George Rodger, uno dei fondatori, è un nome che ritroviamo anche nella selezione presente alla Domi Gallery.  
Fotografo britannico, Rodger ha documentato alcuni dei momenti più drammatici del XX secolo, sviluppando uno sguardo profondo e rispettoso sull’umanità, che diventerà uno dei pilastri dell’identità Magnum.

Fin dagli esordi, Magnum si distingue per un approccio indipendente e autoriale: i fotografi non sono semplici esecutori, ma testimoni attivi della storia.

Magnum e la fotografia umanista

Nel corso dei decenni, Magnum Photos è diventata sinonimo di fotografia umanista e documentaria. I suoi membri hanno raccontato guerre, rivoluzioni, cambiamenti sociali, ma anche la vita quotidiana, le contraddizioni della modernità e la complessità delle relazioni umane.

Accanto ai fondatori, l’agenzia ha accolto fotografi che hanno segnato profondamente il linguaggio visivo contemporaneo. Tra questi, Robert Doisneau, associato a Magnum, autore di immagini iconiche della Parigi del dopoguerra, capaci di unire poesia, ironia e osservazione sociale. Le sue fotografie rappresentano perfettamente lo spirito umanista che gravita attorno all’universo Magnum.

In epoca più recente, Magnum ha continuato a rinnovarsi, includendo voci forti e riconoscibili come Bruce Gilden, membro dell’agenzia dal 1998. Con il suo stile diretto e frontale, Gilden porta la street photography a un livello estremo, dimostrando come Magnum non sia legata a un’estetica unica, ma a una visione: raccontare la realtà senza filtri.

Magnum Photos oggi

Oggi Magnum Photos è un punto di riferimento assoluto per musei, collezionisti e appassionati di fotografia. Il suo archivio raccoglie alcune delle immagini più importanti del Novecento e del XXI secolo, firmate da fotografi che hanno contribuito a definire il nostro immaginario collettivo.

Accanto alla produzione editoriale e museale, Magnum ha sviluppato nel tempo progetti pensati per avvicinare il pubblico al collezionismo fotografico, mantenendo standard qualitativi elevatissimi, come le Magnum Photos Square Print, edizioni speciali di stampe fotografiche in formato quadrato, selezionate dall’archivio Magnum. 

Magnum Photos in galleria

Alla DOMI Gallery, nel cuore di Città della Pieve, le fotografie Magnum trovano spazio come testimonianze umane, capaci di parlare ancora oggi a chi si ferma ad osservarle. Le opere di George Rodger, Robert Doisneau e Bruce Gilden non sono semplici immagini appese a una parete, ma storie che entrano in relazione con chi le guarda, raccontando il mondo da oltre settant’anni. Portarne una selezione in galleria significa creare un incontro silenzioso tra fotografia e spettatore, dove il valore di Magnum Photos continua a vivere.

Bettina Rheims: il ritratto come atto di libertà

Bettina Rheims è una delle figure più influenti della fotografia contemporanea europea. Il suo lavoro, fin dagli esordi, ha messo in discussione i codici tradizionali del ritratto, portando al centro dell’immagine il corpo, l’identità e la complessità dell’esperienza femminile.

Nata a Parigi nel 1952, Rheims ha costruito una carriera trasversale tra fotografia artistica, moda e ritratto, collaborando con le principali riviste internazionali e sviluppando al contempo una ricerca personale riconoscibile e potente. I suoi soggetti — spesso donne — vengono ritratti con uno sguardo diretto, mai idealizzato, che restituisce forza, fragilità e individualità.

Nelle sue immagini, il corpo non è mai un semplice oggetto visivo, ma uno spazio di affermazione e narrazione. Rheims lavora sull’ambiguità, sulla tensione tra esposizione e protezione, tra intimità e rappresentazione pubblica. È proprio questo equilibrio a rendere le sue fotografie immediatamente riconoscibili e profondamente attuali.

Un esempio emblematico di questa poetica è Lara, Paris January 2008, fotografia realizzata a Parigi e stampata nel 2015. L’opera concentra l’attenzione sul soggetto con un linguaggio visivo essenziale e intenso, lasciando emergere una forte dimensione psicologica. L’immagine dialoga con i temi centrali della ricerca di Rheims: identità, presenza e relazione tra fotografa e soggetto.

In galleria presentiamo una colour print di Lara, Paris January 2008, un’opera che si inserisce perfettamente nel percorso dell’artista e rappresenta un’opportunità significativa per collezionisti di fotografia d’autore e per chi desidera avvicinarsi a una delle voci più autorevoli del panorama contemporaneo.

👉 Scopri la fotografia disponibile in galleria.

L’inizio di un nuovo anno non è solo una questione di buoni propositi.  È soprattutto una questione di scelte: quelle che facciamo per abitudine o quelle che facciamo per raccontarci meglio. 

Anche decidere che opera d'arte comprare, per portarla con noi, per decorare la nostra casa e i nostri spazi, è un gesto personale e intimo, che parla di chi siamo e di cosa vogliamo trasmettere.  Scegliere arte significa scegliere ciò che vogliamo intorno a noi: forme, colori, simboli che parlano la nostra lingua.  Non serve a riempire uno spazio ma a dare forma a un’identità, a fissare un momento, a ricordarci ogni giorno ciò che ci rappresenta davvero.

Possiamo aver bisogno di essere trasportati di nuovo all'epoca della nostra infanzia e scegliere un Art Toy con il nostro personaggio preferito di quando eravamo bambini. Oppure decidere di esporre nel nostro salotto l'opera di quel fotografo o di quell'artista che abbiamo sempre apprezzato ma che mai avremmo pensato di poter possedere.

Un’opera contemporanea, un’illustrazione, una fotografia vintage non sono solo oggetti: sono presenze quotidiane, capaci di dialogare con noi: con il nostro tempo, il nostro modo di vivere, il nostro sguardo sul mondo.

Alla Domi Gallery crediamo che l’arte sia una scelta personale, non un’imposizione. Per questo selezioniamo opere pensate per essere vissute, non solo ammirate: pezzi che attraversano il tempo, che crescono con chi li sceglie, che raccontano una storia diversa per ogni persona.

Per questo nuovo anno vi auguriamo consapevolezza; lasciatevi guidare dall'intuizione, dalla bellezza, dal desiderio di quell'opera d'arte che sentite vostra. 
Perché a volte il cambiamento più importante può essere scegliere qualcosa che ci rappresenta davvero. 

Nel panorama dell’arte contemporanea italiana, la resina si è affermata come uno dei materiali più interessanti e versatili. Non più semplice medium tecnico, ma vero e proprio linguaggio espressivo, capace di unire design, scultura e immaginario collettivo.
All’interno di questo contesto si collocano due artisti apparentemente lontani per generazione e percorso, ma sorprendentemente affini nella sostanza: Santicri e Sagrasse.

Entrambi italiani, entrambi legati alle Marche, entrambi profondamente connessi alla materia, danno vita a opere che raccontano due modi diversi — e complementari — di intendere la scultura in resina oggi.

La resina come scelta consapevole

Per Santicri e Sagrasse la resina non è una soluzione pratica, ma una scelta poetica e concettuale. È un materiale che consente precisione e libertà, controllo e sorpresa, serialità e unicità.
La resina permette di dialogare con il design contemporaneo senza rinunciare alla manualità, di creare oggetti iconici che abitano lo spazio domestico mantenendo una forte identità artistica.

In entrambi i casi, si tratta di una resina interamente lavorata in Italia, frutto di competenze artigianali consolidate e di una profonda conoscenza del processo produttivo.

Santicri: poesia della forma e modernismo sensibile

Nato nel 1992 a Macerata, Santicri proviene da una formazione tecnica: geometra prima, architetto poi. Questo background ha lasciato un’impronta evidente nel suo lavoro, dove la struttura è sempre presente, anche quando sembra dissolversi nella dolcezza delle forme.

La sua scultura nasce da un dialogo continuo tra rigore e immaginazione, tra precisione progettuale e impulso emotivo. Ogni opera prende forma come un’intuizione poetica, un tentativo di tradurre ciò che l’occhio percepisce oltre il visibile.

La collaborazione con un’azienda di artigianato in resina segna una svolta decisiva: il contatto diretto con la materia fa emergere il bisogno di trovare una voce personale. Nel 2020 nasce la sua prima scultura, dando avvio a un percorso che in breve tempo ottiene riconoscimento in Italia e in Europa.

Le opere di Santicri abitano un universo luminoso, colorato, quasi onirico, dove il modernismo incontra la dolcezza del sogno. Non c’è ironia, ma piuttosto una tensione armonica: le forme sembrano sospese tra gesto e pensiero, tra progetto e sentimento.

Come afferma l’artista stesso:

“Cerco di trasmettere quello che vedono i miei occhi, il mio modo di vedere ciò che mi circonda, rielaborandolo con un design che sposa i tempi moderni: d’impatto e memorabile.”

Sagrasse: esperienza, materia e immaginario pop

Sagrasse, pseudonimo di Sandro Grassetti, nasce a Macerata nel 1966. Il suo percorso è profondamente diverso, ma altrettanto legato alla materia. Dopo oltre trent’anni di lavoro nel settore della resina, decide di mettere il proprio know-how tecnico al servizio della scultura artistica.

Nel 2021 prende vita la firma Sagrasse e, quasi immediatamente, il suo lavoro suscita un forte interesse da parte di collezionisti internazionali. La sua è una scultura che nasce dalla conoscenza profonda del processo, dalla manualità e dal controllo totale della produzione.

Ogni opera segue un percorso preciso: progettazione, stampa 3D, creazione dello stampo, colata, rifinitura, carteggiatura, lavaggio, laccatura e verniciatura. Un processo lungo e rigoroso, in cui ogni fase è seguita personalmente dall’artista.

L’immaginario di Sagrasse si nutre di pop contemporaneo: oggetti quotidiani, statue classiche, forme femminili, icone universali come Topolino. Tuttavia, dietro l’impatto visivo immediato, si cela una riflessione più profonda.

In ogni scultura, Sagrasse inserisce — come lui stesso suggerisce — un frammento di umanità: un’emozione che attraversa la materia e dialoga con temi attuali come ecologia, ideologie sociali, rapporto tra uomo e ambiente. La sua arte è diretta, ma mai superficiale; accessibile, ma carica di significato.

Due generazioni, un unico materiale

Il confronto tra Santicri e Sagrasse non è una contrapposizione, ma un dialogo generazionale.

• Santicri rappresenta una visione poetica, introspettiva, progettuale, in cui la forma è veicolo di armonia.

• Sagrasse incarna un approccio materico, pop, consapevole, dove l’oggetto diventa simbolo e riflessione sociale.

Entrambi dimostrano come la resina possa essere linguaggio colto e contemporaneo, capace di raccontare il presente senza rinunciare alla qualità artigianale.

La resina italiana come identità

Ciò che unisce profondamente questi due artisti è l’idea di una scultura 100% italiana, non solo per provenienza geografica, ma per cultura del fare. In un mondo sempre più globalizzato, il loro lavoro riafferma il valore della competenza, del tempo, della manualità e della visione personale.

La resina diventa così ponte tra design e arte, tra oggetto e racconto, tra quotidiano e simbolico.

Santicri e Sagrasse alla Domi Gallery

All’interno del percorso curatoriale di Domi Gallery, Santicri e Sagrasse dialogano naturalmente. Le loro opere, pur diverse per linguaggio e sensibilità, raccontano due declinazioni autentiche della scultura contemporanea italiana.

Un confronto che arricchisce lo sguardo del collezionista e dimostra come, partendo dallo stesso materiale, sia possibile costruire universi artistici profondamente personali e riconoscibili.

Street Photography: frammenti di vita e memoria collettiva

La street photography è uno dei generi fotografici più amati e riconoscibili. Nata come osservazione diretta della realtà, si concentra su persone, animali, strade, negozi e spazi urbani, raccontando la vita quotidiana nella sua dimensione più autentica e spontanea. È una fotografia che non costruisce la scena, ma la intercetta, cogliendo l’imprevisto e l’ordinario nella loro naturale convivenza.

La strada diventa così un teatro aperto, in cui si manifestano relazioni, abitudini, contraddizioni e momenti di pura umanità, senza filtri né artifici.

I maestri della fotografia di strada

Nel panorama della street photography emergono alcune figure fondamentali. Henri Cartier-Bresson, fotografo francese, ha definito uno dei concetti chiave del genere: il momento decisivo. Per Cartier-Bresson la fotografia nasce dall’incontro perfetto tra forma, contenuto e tempismo, un istante irripetibile in cui tutto si allinea.

Un altro nome imprescindibile è quello di Vivian Maier, fotografa americana che lavorò per tutta la vita come bambinaia. Nei suoi giorni liberi percorreva le strade di New York, Chicago e Los Angeles con la macchina fotografica al collo, documentando scene di vita quotidiana con uno sguardo attento e silenzioso. Le sue fotografie, rimaste sconosciute fino al loro ritrovamento nel 2007, hanno rivoluzionato la percezione della street photography, dimostrando come uno sguardo autentico possa nascere lontano dai circuiti ufficiali dell’arte.

Raccontare il reale

La street photography cattura frammenti di vita, racconta storie minime e universali allo stesso tempo. I soggetti sono spesso ignari dell’obiettivo che li osserva, ed è proprio questa inconsapevolezza a rendere l’immagine sincera. Non c’è posa, non c’è costruzione: c’è la realtà così com’è, con i suoi ritmi, le sue imperfezioni, la sua bellezza discreta.

È una fotografia che parla del presente, ma che spesso, col passare del tempo, assume un valore documentario e nostalgico, diventando memoria visiva di epoche e luoghi.

Nei cortili giocano i bambini di Mimmi Moretti

All’interno di questo linguaggio si colloca lo scatto Nei cortili giocano i bambini di Mimmi Moretti, una fotografia che restituisce con delicatezza un frammento di vita urbana italiana.

La scena è ambientata in una luminosa giornata di sole, nel cortile di una tipica casa a ringhiera milanese. Tre bambini si rincorrono in bicicletta, completamente immersi nel gioco, ignari della presenza del fotografo. Le loro sagome in movimento contrastano con la struttura architettonica rigorosa dello spazio: le colonne, i ballatoi, le linee nette degli edifici.

Gli stendini con i panni stesi, le porte e le finestre aperte raccontano una quotidianità domestica fatta di gesti semplici e ripetuti. Sono dettagli che parlano di una comunità viva, di un abitare condiviso, di un tempo scandito da ritmi familiari.

Luce, composizione e sospensione temporale

Il sapiente uso del bianco e nero accentua il senso di sospensione dell’immagine. Luci e ombre costruiscono una composizione equilibrata, in cui il movimento dei bambini sembra quasi dissolversi nello spazio. Il tempo appare rallentato, come se la fotografia fosse in grado di trattenere un istante destinato altrimenti a svanire.

È uno scatto che non racconta un evento straordinario, ma proprio per questo risulta potente: suggerisce una storia senza imporla, lasciando allo spettatore la libertà di completarla con la propria memoria e sensibilità.

La street photography come memoria emotiva

Fotografie come Nei cortili giocano i bambini dimostrano come la street photography sia capace di trasformare la vita quotidiana in memoria emotiva. L’immagine evoca tempi passati, atmosfere familiari, un’infanzia condivisa che appartiene a molti, anche a chi non ha vissuto direttamente quella scena.

È in questa capacità di evocazione che risiede la forza del genere: la strada diventa uno spazio universale, in cui ognuno può riconoscere qualcosa di sé.

La street photography alla Domi Gallery

All’interno del percorso curatoriale di Domi Gallery, la street photography trova spazio come linguaggio autentico e senza tempo. Opere come quelle di Mimmi Moretti dialogano con la memoria collettiva e con il presente, offrendo uno sguardo intimo sulla vita urbana e sulle sue storie silenziose.

Immagini che non gridano, ma che restano.

Regalare arte a Natale

Come ogni anno, è arrivato il Natale.
Un momento per fermarsi, riflettere e scegliere con maggiore consapevolezza. Anche un regalo, in questo periodo, può assumere un significato più profondo: diventare il riflesso di ciò che vogliamo comunicare attraverso le nostre azioni, dei valori che sentiamo più vicini.

Regalare arte è una scelta non convenzionale, ma profondamente significativa.
È un dono che va oltre l’immediato, che non si esaurisce con lo scarto di un pacchetto, ma continua a vivere nel tempo, arricchendo chi lo riceve sotto il profilo emotivo, culturale e, in alcuni casi, anche patrimoniale.

Perché regalare arte a Natale?

1. Sostenibilità

Siamo tutti sempre più attenti all’ambiente e cerchiamo, per quanto possibile, di rendere il nostro stile di vita più sostenibile.
L’arte è un bene che attraversa il tempo senza perdere valore: non è soggetta all’obsolescenza, non segue le mode passeggere, non viene “sostituita” da una versione più nuova.

Quadri, sculture, illustrazioni e oggetti artistici sono destinati a durare, a raccontare storie, a diventare testimoni di epoche, sensibilità e culture.
Scegliere l’arte come regalo significa quindi promuovere un consumo più consapevole e responsabile, orientato alla qualità e alla permanenza.

2. Valore

La natura dell’arte come investimento è spesso sottovalutata.
Molti considerano le opere esclusivamente come elementi decorativi, dimenticando che possedere un’opera d’arte può rappresentare anche un investimento tangibile.

Il valore culturale ed economico di un’opera può crescere nel tempo, trasformandosi in un patrimonio che attraversa le generazioni.
Ma oltre all’aspetto economico, l’arte rappresenta un investimento nel senso più ampio del termine: un investimento in bellezza, in pensiero, in sensibilità.

Regalare arte significa offrire qualcosa che non perde valore con il tempo, ma che anzi lo acquisisce, sia nella memoria di chi la riceve sia nello spazio che abita.

3. Emozione

Regalare arte è uno dei gesti più personali che si possano fare.
Ogni opera è unica, frutto della visione, del gesto e della ricerca di un artista. Sceglierla significa osservare, ascoltare e immaginare chi la riceverà.

È un atto di attenzione profonda: un modo per dire ti conosco, ho pensato a te, questa opera parla di te.
Ogni volta che lo sguardo si posa sull’opera, riaffiora il legame con chi l’ha donata.

4. Accessibilità

Esiste ancora l’idea che l’arte sia riservata a una cerchia ristretta di collezionisti.
In realtà, il mondo dell’arte offre oggi una vasta gamma di possibilità accessibili, adatte a sensibilità e budget differenti.

Dalle illustrazioni alle opere grafiche, dalle edizioni ai multipli, fino ai lavori di artisti emergenti: esistono molte opportunità per avvicinarsi all’arte senza affrontare investimenti proibitivi.
È possibile richiedere una consulenza personalizzata alla Domi Gallery o sfogliare la nostra selezione natalizia per scoprire tutte le opzioni disponibili.

5. Sostenere artisti e piccoli business

Regalare arte è anche un gesto di responsabilità culturale.
Ogni opera acquistata sostiene direttamente il lavoro di un artista e la realtà che lo rappresenta. Significa contribuire alla vitalità del tessuto creativo e supportare talenti e piccoli business che lavorano con passione e dedizione.

In un periodo in cui la connessione umana è più preziosa che mai, scegliere l’arte significa rafforzare un ecosistema fatto di persone, idee e relazioni autentiche.

Scopri la selezione Natale Domi Gallery

Per il periodo natalizio abbiamo curato una selezione speciale di opere, oggetti d’arte e gift card pensate per accompagnarti nella scelta del regalo perfetto.

✨ Scopri la collezione Natale Domi Gallery
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Alla Domi Gallery potrai scegliere tra stili e linguaggi diversi:

• Arte contemporanea, per chi ama il presente, la ricerca e lo sguardo sul futuro;

• Opere vintage e iconiche, oggetti con una storia pensati per chi cerca carattere, tempo e unicità;

• Illustrazioni e graphic art, un linguaggio diretto, divertente e moderno pensato per essere vissuto ogni giorno;

• Art toys e collezionabili, opere ironiche che uniscono design, gioco e arte contemporanea.

Lasciati guidare dall’emozione e dalla sensibilità e permettici di accompagnarti nella ricerca del regalo giusto.

Ti aspettiamo anche nella nostra galleria a Città della Pieve.

Jeff Koons: icona della cultura pop e del mercato contemporaneo

Nel 2019 una scultura raffigurante un coniglio in acciaio inossidabile viene battuta all’asta da Christie’s per 91,1 milioni di dollari, stabilendo un record mondiale. L’opera è Rabbit e l’autore è Jeff Koons, artista vivente più quotato sul mercato internazionale.

Questo dato non rappresenta solo un primato economico, ma sintetizza la portata culturale e simbolica di uno degli artisti più discussi e influenti dell’arte contemporanea.

Dalla formazione alla Pop Art

Jeffrey Koons nasce nel 1955 a York, in Pennsylvania. Dopo aver completato gli studi all’Art Institute di Chicago, alla fine degli anni Settanta si trasferisce a New York, attratto dal linguaggio della Pop Art e dal fermento artistico della città.

Nei primi anni newyorkesi lavora al Museum of Modern Art e avvia una ricerca personale che lo conduce alla realizzazione delle prime sculture di fiori e conigli, realizzate con materiali industriali come plastica e plexiglass. Fin da subito emerge il suo interesse per gli oggetti della quotidianità e per il loro potenziale simbolico.

Gli anni Ottanta e il dibattito sull’arte “kitsch”

La carriera di Koons decolla negli anni Ottanta con le serie The New e Banality, che suscitano un acceso dibattito nel mondo dell’arte per il loro approccio volutamente irriverente e dichiaratamente kitsch.

Utilizzando materiali come acciaio inossidabile, porcellana e polimeri, Koons realizza repliche iper-lucide di giocattoli gonfiabili, animali stilizzati e icone della cultura popolare. Oggetti comuni, spesso considerati banali, vengono elevati a opere d’arte monumentali, trasformandosi in simboli della cultura di massa.

Temi e riferimenti culturali

Gli aspetti più innovativi del lavoro di Jeff Koons risiedono nel metodo con cui affronta alcuni dei temi centrali della contemporaneità: consumismo, materialismo, potere e identità dell’arte stessa.

La sua ricerca si colloca nel solco della Pop Art e del Dadaismo, raccogliendo l’eredità dei ready-made di Marcel Duchamp e rielaborandola in chiave spettacolare. Aspirapolvere, giocattoli, oggetti per l’infanzia e celebrità diventano icone di un immaginario collettivo che Koons osserva con un’ironia sottile e ambigua.

La sua posizione è volutamente contraddittoria: se da un lato l’artista critica la società dei consumi, dall’altro ne è uno dei principali protagonisti. In questa tensione tra attrazione e critica risiede gran parte della forza del suo lavoro.

Opere iconiche e successo internazionale

Il successo internazionale esplode con opere come Rabbit (1986), scultura in acciaio inossidabile che riproduce un coniglio gonfiabile, e Michael Jackson and Bubbles (1988), realizzata in porcellana dorata, che ritrae il cantante insieme al suo scimpanzé.

Negli anni Novanta Koons introduce una delle sue serie più celebri: le Celebration Sculptures. Si tratta di sculture monumentali in acciaio inossidabile, ricoperte di lacca colorata, che raffigurano i classici palloncini modellati a forma di animali, simboli universali dell’infanzia e della festa.

Il termine “celebration” non allude solo al mondo infantile, ma diventa un invito a celebrare l’esistenza, la memoria e il piacere dell’esperienza estetica.

Lo spettatore come parte dell’opera

Koons ha spesso dichiarato che le sue opere non devono intimidire, ma coinvolgere. Le superfici specchianti delle Celebration Sculptures riflettono chi le osserva, trasformando lo spettatore in parte integrante dell’opera stessa.

In questo gioco di riflessi, l’opera diventa uno spazio di proiezione personale: un invito a confrontarsi con il proprio passato, con l’infanzia e con il rapporto individuale con la cultura visiva contemporanea.

Mercato, critiche e legacy

Nel corso degli anni Jeff Koons ha raggiunto quotazioni altissime nelle principali case d’asta internazionali. Il suo mercato è sostenuto da collezionisti privati, musei e gallerie, e le sue opere sono spesso considerate investimenti a lungo termine.

Parallelamente, non sono mancate critiche e controversie. Koons è stato accusato di essere più un “brand” che un artista e di delegare la produzione delle opere a grandi team di assistenti. Tuttavia, è innegabile che abbia ridefinito il rapporto tra arte, mercato e cultura popolare.

Jeff Koons è stato tra i primi a trasformare oggetti comuni in arte di lusso, creando al contempo un sistema che include anche edizioni più accessibili, capaci di dialogare con un pubblico ampio senza rinunciare alla riconoscibilità iconica.

Jeff Koons e Domi Gallery

All’interno della proposta curatoriale di Domi Gallery, Jeff Koons rappresenta una figura chiave per comprendere le dinamiche dell’arte contemporanea tra estetica, mercato e cultura di massa. Le sue opere testimoniano un linguaggio visivo immediatamente riconoscibile, capace di suscitare reazioni forti e contrastanti: entusiasmo, rifiuto, fascinazione.

Un artista che, nel bene e nel male, continua a interrogare il ruolo dell’arte nella società contemporanea.

Herbert List: classicismo e visione nella fotografia del Novecento

Herbert List nasce ad Amburgo nel 1903. Dopo aver studiato letteratura all’Università di Heidelberg, nel 1924 rientra nella città natale per lavorare nell’azienda paterna di importazione di caffè, la List & Heineken. Diventa prima commerciante e poi procuratore, viaggiando frequentemente per lavoro.

Proprio durante questi spostamenti nasce il suo interesse per la fotografia, inizialmente praticata come semplice hobby. Ben presto, tuttavia, List comprende che l’osservazione e la costruzione dell’immagine lo attraggono più del mondo commerciale.

Dalla fotografia come passione alla scelta professionale

L’incontro con le avanguardie artistiche europee e lo studio di autori come Giorgio de Chirico, René Magritte e Man Ray giocano un ruolo fondamentale nella sua formazione visiva. Nel 1930 decide di abbandonare definitivamente il lavoro nell’azienda di famiglia per dedicarsi alla fotografia come professione.

Un momento decisivo nel suo percorso è l’incontro con il fotografo Andreas Feininger, che lo introduce all’uso delle fotocamere Rolleiflex, strumenti che favoriscono una composizione più elaborata e rigorosa dell’immagine.

L’esilio e l’ingresso nella fotografia internazionale

Nel 1936, per motivi politici e personali, Herbert List lascia la Germania. Si trasferisce prima a Parigi e successivamente a Londra, dove entra in contatto con il fotografo di moda russo George Hoyningen-Huene. Grazie a questa collaborazione, List inizia a lavorare per il celebre magazine Harper’s Bazaar, segnando il suo ingresso ufficiale nel circuito internazionale della fotografia.

Parallelamente, realizza numerosi still life nel proprio studio e intraprende una serie di viaggi in Grecia, destinazione che diventerà centrale nella sua poetica. Templi, sculture e paesaggi mediterranei alimentano una ricerca visiva improntata al classicismo e alla contemplazione.

Grecia, libri e riconoscimenti

Nel 1937 List espone per la prima volta a Parigi e le sue fotografie iniziano a essere pubblicate su riviste di grande rilievo come Life, Photographie, Verve e Harper’s Bazaar. In questi anni lavora anche al suo primo libro fotografico, Luce sulla Grecia, che verrà pubblicato nel 1953.

Durante il periodo ateniese spera di evitare l’arruolamento, ma l’invasione della Grecia lo costringe a rientrare in Germania nel 1941. A causa delle sue origini ebraiche gli viene impedito di pubblicare e lavorare ufficialmente. Molti dei suoi lavori, conservati in un hotel a Parigi, vengono irrimediabilmente perduti.

La guerra e gli incontri con i grandi artisti

Nel corso della Seconda guerra mondiale la sua produzione si riduce drasticamente. Realizza alcuni ritratti di artisti come Pablo Picasso, Joan Miró e Jean Cocteau, oltre a una serie di fotografie scattate al Panoptikum di Vienna, testimonianza di una ricerca visiva più introspettiva e concentrata.

Nel 1951 List incontra Robert Capa, che lo invita a entrare a far parte dell’agenzia Magnum Photos. Pur accettando l’invito, List collabora in modo sporadico, mantenendo una forte autonomia artistica.

L’Italia e la maturità espressiva

Tra gli anni Cinquanta e Sessanta l’interesse di Herbert List si concentra sull’Italia. Qui fotografa la vita quotidiana, l’architettura, i paesaggi urbani e realizza ritratti di importanti personalità del mondo culturale.

Nel 1953 passa al formato 35 mm, rendendo il suo stile più spontaneo e dinamico, influenzato dal lavoro di Henri Cartier-Bresson e dal Neorealismo italiano. In questo periodo pubblica numerosi volumi fotografici, tra cui Rome, Cabiria, Nigeria e Napoli, quest’ultimo in collaborazione con Vittorio De Sica.

Estetica e poetica dell’immagine

Le fotografie di Herbert List, prevalentemente in bianco e nero, si distinguono per una composizione rigorosa e classica. I soggetti appaiono come forme essenziali, quasi arcaiche, modellate dalla luce e dal chiaroscuro.

Particolarmente significativi sono i suoi nudi maschili, caratterizzati da uno stile austero e colto: il corpo viene rappresentato come pura forma plastica, in un dialogo continuo tra superfici, volumi e luce. Carne e architettura, morbidezza e rigidità, convivono in immagini di grande equilibrio e tensione formale.

Oblio e riscoperta

A partire dai primi anni Sessanta, Herbert List si allontana progressivamente dalla scena fotografica. Il suo linguaggio, fortemente classico e meditativo, non incontra più il gusto dominante dell’epoca. Quando muore a Monaco nel 1975, il suo lavoro è in gran parte dimenticato.

Solo in seguito, grazie a mostre e studi critici, la sua opera viene riscoperta come una delle espressioni più raffinate della fotografia del Novecento.

Herbert List alla Domi Gallery

All’interno della selezione di Domi Gallery, è presente Portofino, una fotografia diventata emblematica dello stile di Herbert List: un’immagine che racchiude il suo sguardo sospeso tra classicismo, visione e silenzio contemplativo.

Be@rbrick: gli art toy giapponesi diventati icone della street culture

I Be@rbrick sono art toy prodotti dall’azienda giapponese Medicom Toy Incorporated. Nati nel 2001, questi oggetti a metà tra arte, design e arredamento hanno rivoluzionato il concetto di action figure, trasformandosi rapidamente in vere e proprie icone della street culture internazionale.

Cosa sono i Be@rbrick

I Be@rbrick sono orsi antropomorfi dalla forma estremamente semplificata, caratterizzati da una pancia rotonda e da linee essenziali. Ogni figura è dotata di otto punti di articolazione ed è composta da nove parti: testa, busto, fianchi, braccia, mani e gambe.

La loro estetica minimale li rende una tela perfetta per infinite reinterpretazioni artistiche.

Origine e nascita dei Be@rbrick

I primi Be@rbrick vennero distribuiti il 27 maggio 2001 come regalo durante la World Character Convention 12 di Tokyo. Da quel momento, la produzione non si è mai fermata.

Partendo da un modello base, Medicom Toy ha iniziato a creare Be@rbrick di diverse dimensioni, materiali e soggetti, dando vita a un universo in continua espansione.

Dimensioni e varianti

La misura standard è il 100% Be@rbrick, alto circa 7 cm. Oggi è molto comune trovare:

• il 400% Be@rbrick, alto 28 cm

• il 1000% Be@rbrick, la versione più grande sul mercato, alta 70 cm

Le dimensioni variabili rendono i Be@rbrick adatti sia al collezionismo sia all’arredamento contemporaneo.

Collezioni, personaggi e collaborazioni

La vera forza dei Be@rbrick è la straordinaria varietà di collezioni. Musicisti, artisti, supereroi e personaggi iconici popolano l’universo Be@rbrick:

• Batman, Robin

• Orsetti del Cuore

• Peanuts

Ma non solo: anche le opere di Van Gogh, Basquiat, Andy Warhol e persino la Stele di Rosetta sono state reinterpretate in versione Be@rbrick, trasformandosi in autentiche opere d’arte da collezione.

Nel corso degli anni, Medicom Toy ha collaborato con artisti contemporanei, designer e grandi marchi, tra cui:

• graffiti artist internazionali

• Karl Lagerfeld

• Vivienne Westwood

• brand sportivi come Nike

Per il lancio del film Kill Bill, venne creato il Be@rbrick “Murder Bride”, incluso nella versione DVD del film.

Be@rbrick come icona culturale

Oggi i Be@rbrick vengono definiti veri e propri “giocattoli artistici”: oggetti di design, frutto di collaborazioni globali, simboli di contaminazione tra arte contemporanea, moda, street art e cultura pop.

Sono diventati un fenomeno planetario e una presenza fissa nelle collezioni di appassionati, artisti e designer.

I Be@rbrick alla Domi Gallery

Alla Domi Gallery abbiamo selezionato per voi alcuni dei modelli Be@rbrick più amati e originali.
Scegli il tuo personaggio preferito e rendi unico il tuo arredamento con un oggetto iconico e riconoscibile.

👉 Scopri tutti i Be@rbrick disponibili sul nostro sito:
https://domi.gallery/search?q=bearbricks